Arte Gotica: cos'è, riassunto e caratteristiche distintive

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Con il termine "arte gotica" o "stile gotico" ci si riferisce allo stile dell'architettura, della scultura (e delle arti minori) europee che collegano l'arte romanica medievale con il primo Rinascimento. Il periodo è diviso in primo gotico (1150-1250), alto gotico (1250-1375) e gotico internazionale (1375-1450).

Riassunto e caratteristiche

Principalmente una forma pubblica di arte cristiana, fiorì inizialmente nell'Ile de France e nella regione circostante nel periodo 1150-1250, per poi diffondersi in tutta l'Europa settentrionale.

La sua principale forma di espressione era l'architettura - esemplificata dalle grandi cattedrali gotiche del nord della Francia. Per i due principali stili decorativi, si veda l'Architettura Gotica Rayonnant (1200-1350 ca.) e la successiva Architettura Gotica Fiammeggiante (1375-1500).

I migliori esempi di design gotico includono: Chartres Cathedral (1194-1250), Notre-Dame Cathedral (1163-1345), Sainte Chapelle (1241-48) e la Cattedrale di Colonia (dal 1248), così come le cattedrali di Canterbury, Winchester, Westminster Abbey e Santiago de Compostela.

una foto di santiago di compostela
Una foto di Santiago di Compostela

Nello stile gotico, le forme planari del precedente linguaggio romanico sono state sostituite da un nuovo focus sulla linea. E i suoi archi e contrafforti svettanti hanno permesso l'apertura di pareti per enormi finestre di vetrate piene di immagini traslucide dell'arte biblica di grande ispirazione, superando di gran lunga qualsiasi cosa la pittura murale o l'arte del mosaico avessero da offrire.

Tutto ciò ha creato una suggestiva atmosfera umanistica ben diversa dal periodo romanico. (Durante la fine del 14 ° secolo, uno stile gotico più laico emerse, noto come gotico internazionale, che si diffuse in tutta la Borgogna, la Boemia e l'Italia settentrionale.

L'arte gotica, in quanto arte esclusivamente religiosa, ha dato un peso tangibile alla crescente potenza della Chiesa di Roma. Questo non solo ispirò il pubblico, ma anche i suoi dirigenti laici, e stabilì saldamente il legame tra religione e arte, che fu uno dei fondamenti del Rinascimento italiano (1400-1530). Tra i celebri artisti medievali in stile gotico si ricordano Giovanni Pisano e Simone Martini della Scuola Pittorica Senese.

Scultura gotica

Scultura gotica antica

Come nel periodo romanico, i migliori scultori gotici furono impiegati nella decorazione architettonica.

Gli esempi più importanti di scultura in pietra giunti a noi sono sui portali, come nella chiesa di Saint-Denis i cui portali occidentali (costruiti nel 1137-40), combinati elementi che sono rimasti comuni per tutto il periodo gotico: un timpano intagliato, figure scolpite disposte nei cavedi, o pezzi a forma di cuneo, dell'arco, e sculture più figurative attaccati ai lati del portale.

Saint-Denis, così come resta oggi, è piuttosto deludente: le figure laterali sono andate perdute e il resto è stato pesantemente restaurato.

Tendenza verso un maggiore realismo

L'effetto generale è ora più apprezzato sul fronte ovest della cattedrale di Chartres, i cui portali illustrano lo sviluppo dello stile gotico. Se si confrontano i portali di Chartres (c.1140-50) con quelli di Reims del XIII secolo, si può vedere che lo sviluppo della scultura in questo primo periodo dell'arte gotica è verso un maggiore realismo, e lontano dalla sensazione piuttosto lignea della scultura romanica.

Per così dire, questo è stato raggiunto non attraverso una continua evoluzione, ma in una serie di impulsi stilistici. Il primo di questi impulsi può essere visto nella scultura sul fronte ovest di Chartres. Le figure, con i loro gesti stilizzati e gli abiti minuziosamente plissettati, sono appena "reali", e le loro forme sono strettamente allineate alla composizione architettonica. Esempi simili si possono vedere nelle cattedrali di Angers, Le Mans, Bourges e Senlis.

Il secondo impulso creativo deriva (1181-1210) dalla scuola d'arte di Mosan, nell'opera metallica dell'orafo Nicholas di Verdun (e del suo contemporaneo più antico Godefroid de Claire), caratterizzata da figure aggraziate e curvilinee e da un morbido panneggio a forma di greca (Muldenstil).

Una versione sobria di questo stile decorò i portali principali dei transetti di Chartres (c.1200-10), e può anche essere visto nella cattedrale di Reims. Un terzo impulso al realismo nella scultura gotica, basata su prototipi bizantini del X secolo, sembra provenire dalla cattedrale di Notre-Dame a Parigi (1200 ca.).

Invece di drappeggi vorticosi e figure curve, questo stile è caratterizzato da figure dall'aspetto quadrato, eretto, che sono abbastanza sobrie nei loro gesti. Un buon esempio di questo stile è il fronte ovest della cattedrale di Amiens (1220-30 ca.).

Un quarto stile di realismo ha origine a Reims con un artigiano che prende il nome dalla sua figura più famosa, il Maestro Giuseppe. Ignorando sia la sobrietà gestuale di Amiens che il panneggio del Muldenstil, realizza (c.1240) figure con caratteristiche che subiranno per i successivi 150 anni: pose e volti delicati e spessi panneggi appesi in lunghe pieghe a V che avvolgono la figura.

La scultura gotica della cattedrale ebbe un'ampia influenza su pittori e illuminatori tardogotici, tra cui il grande artista provenzale Enguerrand de Charenton (Quarton) (1410-1466 ca.), creatore de La Pietà di Avignone (1454-6, Louvre, Parigi).

In Germania, la storia è abbastanza simile, tranne che la scultura gotica tedesca tende ad essere più emozionale - vedi cattedrali di Strasburgo e Magdeburgo. Un esempio drammatico di questa emozione si trova nel coro occidentale (1250 ca.) della cattedrale di Naumburg. Vedi anche Arte Gotica Tedesca (1200-1450 ca.).

Scultura alto gotica

In generale, questo periodo ha visto un declino nella scultura architettonica. Grazie all'attenzione posta sul patterning geometrico dall'architettura gotica Rayonnant, questo non è sorprendente.

Alcuni portali, come quelli sul fronte ovest della cattedrale di Bourges, sono stati completati, ma hanno un interesse limitato. Al contrario, il tipo di scultura che si stava espandendo con grande rapidità era quello più privato, esemplificato dalle tombe e da altri monumenti funerari.

Comprendevano la cassa sepolcrale, tipicamente decorata con piccole figure in nicchie - figure note come piroettanti, poiché di solito rappresentavano i membri della famiglia che erano in lutto. Più tardi, all'inizio del XIV secolo, apparvero raffigurazioni di lutto professionale pesantemente ammantato.

Questa tendenza scultorea è stata iniziata da Luigi IX nei suoi monumenti ai suoi antenati e parenti, per lo più situati a Saint-Denis (1260-70), anche se gravemente danneggiato durante la Rivoluzione Francese. Si possono trovare precedenti precedenti, gli sforzi di Luigi IX ha fatto molto per divulgare l'idea del mausoleo dinastico, e numerose altre persone importanti seguirono l'esempio.

In Inghilterra, come in Francia, la maggior parte del virtuosismo nell'intaglio è stato arato in tombe private e monumenti. Il miglior mausoleo gotico superstite è l'Abbazia di Westminster, dove i monumenti scolpiti in una varietà di mezzi (in particolare purbeck, bronzo, alabastro e pietra libera) sono ulteriormente valorizzati dai pavimenti e tombe eseguite da mosaicisti italiani impiegati da Enrico III. La tomba di Edoardo II (c. 1330-35), nella cattedrale di Exeter, notevole per il suo elaborato baldacchino medievale, è un altro bell'esempio di gotico inglese.

L'alta scultura gotica tedesca è esemplificata dalle eleganti figure drappeggiate intorno al coro della cattedrale di Colonia (consacrata nel 1322) e dalle imponenti figure sul fronte ovest della cattedrale di Strasburgo (scolpite dopo il 1277), che sembrano essere fortemente influenzate dal Maestro di Reims Giuseppe. Come al solito la scultura tedesca tende ad essere molto più espressiva di un'opera francese simile.

In Italia, tra i più importanti scultori del XIII secolo si ricordano Nicola Pisano (1206-78) e suo figlio Giovanni Pisano (1250-1314). Entrambi lavoravano principalmente in Toscana, ed entrambi eseguivano pulpiti che si classificavano come le loro principali opere completate: Nicola è noto per la scultura nel Battistero di Pisa (1259-60) e nel Duomo di Siena (1265-68), mentre il pulpito di Giovanni a S. Andrea Pistoia (completato nel 1301), anche se tecnicamente meno raffinato, è emotivamente molto più drammatico.

pisano annunciazione
Nicola Pisano, Annunciazione, Nascita di Gesù e adorazione dei pastori, 1260. Marmo. Battistero, Pisa.

A Milano, un santuario per il corpo di San Pietro Martire fu scolpito da Giovanni di Balduccio (1290-1349 ca.) in uno stile derivato dallo studio pisano. Tra i più famosi seguaci di Pisano si ricordano Arnolfo di Cambio (1240-1300/10) e Tino di Camaino, che lavorò alla corte napoletana (1323-37 ca.).

La scultura di Arnolfo di Cambio è solida e impassibile. Eccelleva nelle composizioni formali, come la cappella funeraria e la tomba di papa Bonifacio VIII. Fu anche il primo architetto del Duomo di Firenze (fondato nel 1296). Tino di Camaino ha raggiunto la fama di scultore funerario e la più grande collezione della sua opera si trova a Napoli. Per saperne di più, vedere: Cattedrale di Firenze, Brunelleschi e il Rinascimento (1420-36).

Un altro noto scultore gotico italiano fu Andrea Pisano (1295-1348) (alias Andrea da Pontedera). Le sue sculture più famose furono eseguite a Firenze, le più importanti delle quali furono le tre porte bronzee del battistero della Cattedrale di Firenze (completate nel 1336). Molto influenzato dalla scultura di Giovanni Pisano, oltre che dalla pittura del proto-rinascimentale Giotto, Andrea rende le sue figure piuttosto tozze e solide.

Pittura gotica

Nonostante l'affermazione della pittura romanica sulle pareti della chiesa e nei manoscritti evangelici, l'Europa non era ancora pronta per la pittura come una delle principali forme d'arte pubblica.

L'arte degli arazzi era ancora popolare (e più calda) come rivestimento decorativo delle pareti, mentre la maggior parte delle cattedrali gotiche, con la loro mancanza di spazio per le pareti, aveva meno bisogno delle chiese romaniche per le pitture murali.

Per gli effetti cromatici, invece, gli architetti gotici si affidarono alle vetrate, che erano diventate molto più grandi che in epoca romanica. In altri generi pittorici il nuovo stile ebbe un impatto significativo: così, l'arte delle pale d'altare e i manoscritti miniati furono tutti rivitalizzati dal linguaggio gotico.

NOTA: Per altre importanti tendenze stilistiche storiche come il gotico, vedi Movimenti artistici, Periodi, Scuole (dal 100 a.C. circa).

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Pittura gotica in Francia, Germania e Inghilterra

La pittura del primo gotico si sposta dall'arte bizantina verso un maggiore naturalismo, assumendo la forma di uno stile più morbido e realistico, le cui caratteristiche generali si protraggono fino alla metà del XIII secolo.

In Francia, il linguaggio è particolarmente evidente in una serie di magnifici moraliziani delle bibbie - manoscritti biblici contenenti estratti della Bibbia accompagnati da interpretazioni morali e illustrazioni disposte come vetrate - completati per la corte reale francese c.1230-40.

In Inghilterra lo stile può essere visto in numerosi manoscritti; per esempio, il Salterio Amesbury (c. 1240; All Souls College, Oxford).

In Germania gli artisti gotici evitarono questo stile leggiadro, preferendo uno stile angolare contorto chiamato Zackenstil. Ad esempio, nell'Altare Soest (1230-40, Gemaldegalerie SMPK, Berlino), il panneggio è raffigurato in forme angolari improvvise e spesso cade in un punto acuto simile a un ghiacciolo. Anche i manoscritti gotici illuminati hanno influenzato lo sviluppo della pittura su tavola e dei murales nell'Europa settentrionale.

Illustrazioni di libri gotici

Per apprezzare l'illustrazione del libro gotico è necessario studiare i manoscritti miniati che si sprigionarono dalla sceneggiatura dei vari monasteri a partire dall'inizio del XIII secolo: Libri di Ore, Messali, Apocalissi, Salterio e Bibbie. Si vedano, ad esempio, il Breviario di Belleville (1326) e le Ore di Jeanne d'Evreux (1328) di Jean Pucelle (1290-1334).

In questi capolavori l'artista gotico, non più semplice contributore dell'insieme architettonico, può scatenare la sua fantasia e indulgere in tutti i suoi capricci. Le figure sono a volte allungate al limite della caricatura, come i disegni di moda di oggi (vedi la seconda parte del Salterio Arundel al British Museum).

Le creature grottesche, così come i tocchi umoristici o macabri abbondano. Man mano che il tipo si sviluppa diventa più inquieto. L'occhio non ha un momento di pace. Complessi sfondi decorativi, bordi di foglie di edera resi ancora più spigolosi di quanto la natura li avesse disegnati, sfondi paesaggistici (intorno alla metà del XV secolo), con in primo piano macchie di fiori elaborati, scene di vita contemporanea, sport e passatempi, feste, viaggi, cucina (il Salterio Luttrell del 1340 nel British Museum è affollato di queste miniature) si trovano ovunque.

Si potrebbe pensare che nel XIV secolo la vita nell'Europa nord-occidentale sia stata una grande confusione di dettagli gay deliziosi, un vivaio pieno di giocattoli viventi. Vedere anche: Storia dei manoscritti illuminati.

La pittura gotica alta è stata fortemente influenzata dalla scultura contemporanea. Questo divenne evidente a Parigi, dove Luigi IX fu uno dei principali mecenati. In un evangelario (un manoscritto contenente i quattro Vangeli) presso la cappella del palazzo di Luigi IX di Sainte Chapelle (1241-48), si può vedere il primo stile gotico sostituito bruscamente da uno stile di panneggio che incorpora le grandi pieghe angolari del Maestro Giuseppe (Bibliotheque Nationale). Contemporaneamente cresce l'attenzione per il dettaglio, quasi come fine a se stesso. Così, ad esempio, i volti sono diventati esercizi di virtuosismo.

Se alcuni dettagli figurativi come volti e mani continuavano ad essere rappresentati principalmente per mezzo di linee, panneggi e altre forme, tendevano ad essere modellati in termini di luce e ombra. Questa "scoperta della luce", iniziata intorno al 1270-80, è particolarmente legata al celebre illuminatore parigino noto come Maestro d'Onore, che fu attivo intorno al 1288-1300. È anche possibile che sia stata stimolata dagli sviluppi della pittura italiana.

Lo stile francese è stato introdotto rapidamente in Inghilterra. Anche se Enrico III non era un verme del libro, un certo numero di manoscritti prodotti per la sua famiglia contengono illustrazioni nello stesso stile delicato e minuto degli artisti di Luigi IX. Anche alcuni dipinti di grandi dimensioni, in particolare il "Westminster Retable", sopravvivono nell'abbazia di Westminster. Le successive modifiche della pittura inglese, esemplificate in opere come il Salterio della Regina Maria (1330 ca., British Museum), comprendevano decorazioni di confine sempre più sontuose. Vedere anche: Creazione di manoscritti illuminati.

Per i dettagli sulle illuminazioni gotiche internazionali del XIV-XV secolo, vedi: Jean Pucelle (1290-1334), i Fratelli del Limburgo (d.1416: vedi le loro Tres Riches Heures du Duc de Berry) e Jean Fouquet (1420-81: vedi il suo straordinario Dittico Melun).

Pittura gotica italiana

Durante il XIII secolo sia Roma che la Toscana avevano fiorenti tradizioni pittoriche, ed entrambe erano fortemente influenzate dall'arte medievale prodotta nell'Impero Bizantino.

Purtroppo, poiché gran parte dell'opera romana fu distrutta in seguito, le prove di ciò che stava accadendo nella capitale devono essere ricercate fuori città - in particolare Assisi, dove la chiesa superiore di San Francesco fu decorata da pittori affreschi di formazione romana tra il 1280 e il 1300, in particolare Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302).

Come per tutta l'arte decorativa gotica, anche in Italia i cambiamenti stilistici andarono nella direzione di un maggiore realismo. Alla fine del XIII secolo i pittori italiani cominciarono a modellare le loro figure con la luce.

Hanno anche fatto progressi improvvisi nella manipolazione della prospettiva lineare per ottimizzare la progettazione spaziale nella loro pittura. Inoltre, i migliori artisti hanno sviluppato un'acuta capacità di creare figure che sembravano davvero comunicare tra loro, con il gesto o l'espressione. Un buon esempio è l'opera del Maestro Isacco nella chiesa superiore di Assisi.

A differenza del Nord Europa, l'Italia ha mantenuto una forte tradizione di murales su larga scala, tipicamente eseguiti con la tecnica dell'"affresco" - un metodo che prevede l'applicazione di pigmenti e l'assorbimento di intonaco di calce fresco.

Oggetto di affresco sono le narrazioni bibliche o agiografiche, e il suo massimo esponente gotico è il pittore Giotto di Bondone (1267-1337), la cui opera classica sono gli affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova: si veda, ad esempio, il celebre Tradimento di Cristo (Bacio di Giuda) (1305) e la Lamentazione di Cristo (1305).

scrovegni giotto
Gli affreschi di Giotto della Cappella degli Scrovegni a Padova

Tuttavia, nonostante il maggiore realismo dell'opera di Giotto, non poté sfuggire all'impulso dei suoi predecessori bizantini, la cui influenza è ben visibile in tutta la composizione.

In Toscana lo sviluppo dello stile gotico è meglio illustrato da Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), il più famoso pittore della scuola senese di arte proto-rinascimentale, e creatore della Pala della Maesta (1308-11), già pala maggiore del Duomo di Siena, e della Madonna Stroganoff (1300).

Quest'ultimo era uno dei grandi dipinti su tavola gotici eseguiti a tempera su tavola. Tuttavia, la capacità di Duccio di creare spazi realistici era molto più debole di quella di Giotto e il suo lavoro manca dello stesso impatto drammatico.

Di pittori fiorentini e senesi successivi, Simone Martini (1285-1344), che lavorò alla corte pontificia di Avignone, è probabilmente il più famoso. Si veda, ad esempio, il Trittico dell'Annunciazione (1333) per il Duomo di Siena.

Altri importanti artisti furono i fratelli Pietro e Ambrogio Lorenzetti. Si veda l'Allegoria del Buon e del Cattivo Governo di quest'ultimo (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena).

Verso il 1350 i pittori italiani avevano raggiunto una posizione unica in Europa. Il loro marchio unico di pittura pre-rinascimentale - con i suoi progressi nell'arte della composizione narrativa - li distinguono dai pittori del resto d'Europa.

I loro miglioramenti nella rappresentazione della realtà non furono facilmente ignorati, e i pittori del nord compirono sforzi strenui per adattare il naturalismo italiano alle finalità del nord. Con l'avvento della pittura a olio, le scuole fiamminghe e olandesi avrebbero presto recuperato terreno e a volte addirittura superato le loro controparti meridionali.

Ma questa è un'altra storia.

Elenco degli artisti gotici

Tra i principali esponenti dello stile gotico dell'arte, vi sono:

Scultori

  • Nicola di Verdun (fl.1181-1210)
  • Nicola Pisano (1206-78)
  • Il Giuseppe Maestro di Reims (fl.1240-77)
  • Giovanni Pisano (1250-1314)
  • Giovanni di Balduccio (c.1290-1349 circa)
  • Arnolfo di Cambio (1240-1300/10 circa)
  • Andrea Pisano (1295-1348)
  • Tino di Camaino (fl.1323-37)
  • Calendario Filippo (pre-1315-1355)

Scultori tardo gotico

  • Veit Stoss (c.1447-1533)
  • Adam Kraft (1455-1509 ca.)
  • Tilman Riemenschneider (1460-1531 ca.)
  • Gregor Erhart (1460-1540 ca.)

Pittori

  • Maestro Honoré (fl.1288-1300)
  • Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
  • Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319 circa)
  • Giotto di Bondone (1267-1337)
  • Simone Martini (1285-1344)
  • Pietro Lorenzetti (fl.1320-45)
  • Ambrogio Lorenzetti (fl.1319-48)

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